De acuerdo a lo visto en clase la pixilización es una variante de la ténica conocida como stop-motion. La principal diferencia es que mientras en la técnica stop-motion los objetos animados son simplemente eso, objetos, en la pixilización los objetos animados son personas. En la pixilización una serie de fotogramas son capturados. Estos fotogramas capturan una acción. Al reproducir la serie de fotogramas y debido a la retención ocular de los humanos lo que vemos son acciones y movimientos y no sólo fotogramas. En clase observamos un ejemplo de esto al ver el corto de Norman McLaren titulado "Neighbours" de 1952. Claramente podemos ver su influecia en diferentes contenidos mediáticos como videos musicales.
Peter Gabriel - Sledgehammer
Tony Vs. Paul
Polaroid Stop Motion
Lego Neighbours (Remediación)
lunes, 12 de mayo de 2008
De Los Géneros Cinematográficos
Pienso que en la actualidad las películas no se centran en sólo un género cinematográfico. De hecho me pregunto si es que alguna vez hubo películas con un sólo género. Remontémonos a 1927 y analizemos Metrópolis de Fritz Lang. Si bien es cierto que es una historia de Ciencia Ficción la película se encuentra aderezada por el romance de Freder y María que es impedido por su padre. Me pregunto si éste elemento no es clave dentro de la composición de un melodrama. Creo que si bien ésta película no mezcla propiamente dos géneros cinematográficos si hace uso de uno para darle seguimiento a la historia del otro. Es decir, que gracias a ésta pequeña historia melodramática es posible contar la gran historia de ciencia ficción. Dicho esto, nos damos cuenta que si el romance de Freder y María no hubiera dado el hilo conductor lo hubiera dado otro enfoque. Ahora la verdadera pregunta es que si esto hubiera pasado, ¿Tendría la misma fuerza la narrativa y el descenlace?. De cualquier forma esto es mera especulación. Lo que si es cierto es que los géneros se han mezclado y han dado (como todo) buenas y malas cosas a la cinematografía mundial. Éstos son algunos ejemplos.
El Topo
Ésta película es una mezcla de Western y Ciencia Ficción que contiene una gran carga simbólica y de elementos surrealistas. Filmada en México en 1970 por Alexandro Jodorowsky narra la historia de un hombre que acompañado por su hijo busca sentido a su existencia. Obsesionado por ser la pistola más rápida del Oeste emprende una búsqueda de los 4 maestros de la pistola para derrotarlos y aprender de ellos. Después de vencerlos "El Topo" es víctima de un intento de asesinato, ésto lo lleva a una comunidad subterránea en donde medita mientras está en coma. Al despertar ayuda a los miembros deformes de la comunidad subterránea a salir del yugo impuesto por los habitantes de un pueblo cercano. Después de hacer justicia se prende a sí mismo en fuego esperando reencarnar en su nieto.
Dancer In The Dark
Éste es un film de Lars Von Trier del 2000 y nos narra la historia de Selma, una inmigrante checa que es acusada de un crimen que ella no cometió. Dato suficiente para saber que estamos hablando del género melodrama. Es una película muy interesante por que añade al melodrama el género musical. La actriz principal es Björk, ésto garantiza que las canciones sean de gran calidad. La fotografía parece ser la misma que un documental hecho también interesante. Aunque fué juzgada por algunos críticos como" un Titanic con handycam" o "pornografía emocional" la verdad es que esta película conjunta géneros y lo hace de una manera elegante y sin forzar los matices.
Oh Brother Where Art Thou?
Éste film de los hermanos Coen se desarrolla en el sur de los Estados Unidos a mediados de los años 30 y nos narra la historia de Everett Ulysses McGill (George Clooney), quién orquesta un escape de la prisión con sus otros 2 compañeros de cadenas. De ahí en adelante sus aventuras son mostradas en la pantalla. Esta película reúne varios géneros: El musical, la ciencia ficción y hasta la comedia tiene cabida. La música es inmejorable, fotografía bañada de sol que la hace algo fantástica si no es que irreal. La historia está basada en la Odisea de Homero y habrá que decirlo, se siente muy surreal.
Spartacus
De Stanley Kubrick nos muestra la vida del primero esclavo y después gladiador Spartacus quien se levanta en contra del imperio romano. Mezcla 2 géneros: Épico histórico y melodrama. Gran perspectiva estética y gran composición de la fotografía, Alex North compuso la música que es grandilocuente y anuncia lo que está por suceder o está sucediendo. Diálogos inteligentes aderezan la historia. No es la obra más íntima de Kubrick pero si es en donde nos demuestra su dominio en la técnica. No es la obra épica más reconocida, pero es sin duda la mejor.
El Topo
Ésta película es una mezcla de Western y Ciencia Ficción que contiene una gran carga simbólica y de elementos surrealistas. Filmada en México en 1970 por Alexandro Jodorowsky narra la historia de un hombre que acompañado por su hijo busca sentido a su existencia. Obsesionado por ser la pistola más rápida del Oeste emprende una búsqueda de los 4 maestros de la pistola para derrotarlos y aprender de ellos. Después de vencerlos "El Topo" es víctima de un intento de asesinato, ésto lo lleva a una comunidad subterránea en donde medita mientras está en coma. Al despertar ayuda a los miembros deformes de la comunidad subterránea a salir del yugo impuesto por los habitantes de un pueblo cercano. Después de hacer justicia se prende a sí mismo en fuego esperando reencarnar en su nieto.
Dancer In The Dark
Éste es un film de Lars Von Trier del 2000 y nos narra la historia de Selma, una inmigrante checa que es acusada de un crimen que ella no cometió. Dato suficiente para saber que estamos hablando del género melodrama. Es una película muy interesante por que añade al melodrama el género musical. La actriz principal es Björk, ésto garantiza que las canciones sean de gran calidad. La fotografía parece ser la misma que un documental hecho también interesante. Aunque fué juzgada por algunos críticos como" un Titanic con handycam" o "pornografía emocional" la verdad es que esta película conjunta géneros y lo hace de una manera elegante y sin forzar los matices.
Oh Brother Where Art Thou?
Éste film de los hermanos Coen se desarrolla en el sur de los Estados Unidos a mediados de los años 30 y nos narra la historia de Everett Ulysses McGill (George Clooney), quién orquesta un escape de la prisión con sus otros 2 compañeros de cadenas. De ahí en adelante sus aventuras son mostradas en la pantalla. Esta película reúne varios géneros: El musical, la ciencia ficción y hasta la comedia tiene cabida. La música es inmejorable, fotografía bañada de sol que la hace algo fantástica si no es que irreal. La historia está basada en la Odisea de Homero y habrá que decirlo, se siente muy surreal.
Spartacus
De Stanley Kubrick nos muestra la vida del primero esclavo y después gladiador Spartacus quien se levanta en contra del imperio romano. Mezcla 2 géneros: Épico histórico y melodrama. Gran perspectiva estética y gran composición de la fotografía, Alex North compuso la música que es grandilocuente y anuncia lo que está por suceder o está sucediendo. Diálogos inteligentes aderezan la historia. No es la obra más íntima de Kubrick pero si es en donde nos demuestra su dominio en la técnica. No es la obra épica más reconocida, pero es sin duda la mejor.
Del Surrealismo En El Cine
Las principales características del surrealismo en el cine son la atemporalidad, la ruptura de la continuidad en espacio y tiempo, la apelación al absurdo, el humor satírico y a veces cruel, la falta de congruencia entre las acciones, lugares y tiempos. Principalmente la aparición constante si no es que reinante de episodios oníricos del autor así como sus obsesiones. Al pensar en todo lo que éstas características implicarían uno puede pensar que las películas mexicanas de los 70 que estelarizaban algunos albureros (que decían que eran actores) pueden ser películas surrealistas. Sobre todo en cuanto a la apelación al absurdo se refiere. Sin embargo la principal característica del cine surrealista es que rompe intencionalmente con los convencionalismos estéticos y la lógica lineal. Busca establecer un vínculo entre el espectador y las imágenes y busca más provocar sensaciones y reacciones que invitar a pensar ideas. Con el paso del tiempo el surrealismo se unió gradualmente al cine, tanto que algunos elementos prevalecen en la mayoría de películas (descomposición del tiempo). Adelante tendremos 3 películas que tienen una clara influencia surrealista.
El Perro Andaluz
Con riesgo de parecer gustoso de usar clichés elijo ésta película como ejemplo clásico del cine surrealista, fué la primera y aunque a mi parecer L'Âge d'or es superior en cuanto a la concepción de la obra en sí, no se puede negar que el filme que rompió con todo lo establecido y que fué el que estremeció al mundo fué el del título. Sin duda la fuerza de las imágenes es apabullante y se siente la presencia de Dalí.
Mulholland Drive
De David Lynch sobra decir por qué está en esta selección. Las películas de éste director a menudo se encuentran cargadas de elementos surreales en donde los objetos cobran una gran relevancia. Aquí, era una pequeña cajita azul. De hecho casi todo el trabajo de este director puede clasificarse dentro de esta corriente, para la grabación de su más reciente cinta titulada Inland Empire, el director escribía la historia así como lo que se filmaría ese mismo día.
Crónica De Un Desayuno
Ésta es una película mexicana de 1999, dirigida por Benjamín Cann en la cual se retrata la vida de una familia de clase media-baja de la Ciudad de México, filmada principalmente en una locación (el departamento en donde la familia vive) las cosas cambian de lugar, las paredes de color, el tiempo no es lineal. Se narra paralelamente la tragedia de un transexual al que le han cortado el pene...
En base a el retorno del padre, el odio de los hijos, el olvido al menor, el re-enamoramiento de la madre retrata fielmente a la sociedad mexicana, al machismo que aún se vive, al rol de los hijos y al crecimiento de los mismos.
El Viaje De Chihiro
Hayao Miyazaki nos adentra a un mundo fantástico de Dioses y monstruos. El relato inicia cuando la pequeña Chihiro y sus padres se pierden en el camino a su nueva casa. Los padres se vuelven cerdos y Chihiro entra en una nueva dimensión sin darse cuenta. En el relato fantástico igual hay dragones que vuelan como seres que cuanto mas comen más volúmen alcanzan. Sobra decir que es una película fuertemente influenciada por el surrealismo porque aunque aparentemente la historia sea llevada de una forma lineal conserva algunos de los elementos de esta corriente, no tanto en la estructura de la película en sí, sino más bien en la historia misma.
El Perro Andaluz
Con riesgo de parecer gustoso de usar clichés elijo ésta película como ejemplo clásico del cine surrealista, fué la primera y aunque a mi parecer L'Âge d'or es superior en cuanto a la concepción de la obra en sí, no se puede negar que el filme que rompió con todo lo establecido y que fué el que estremeció al mundo fué el del título. Sin duda la fuerza de las imágenes es apabullante y se siente la presencia de Dalí.
Mulholland Drive
De David Lynch sobra decir por qué está en esta selección. Las películas de éste director a menudo se encuentran cargadas de elementos surreales en donde los objetos cobran una gran relevancia. Aquí, era una pequeña cajita azul. De hecho casi todo el trabajo de este director puede clasificarse dentro de esta corriente, para la grabación de su más reciente cinta titulada Inland Empire, el director escribía la historia así como lo que se filmaría ese mismo día.
Crónica De Un Desayuno
Ésta es una película mexicana de 1999, dirigida por Benjamín Cann en la cual se retrata la vida de una familia de clase media-baja de la Ciudad de México, filmada principalmente en una locación (el departamento en donde la familia vive) las cosas cambian de lugar, las paredes de color, el tiempo no es lineal. Se narra paralelamente la tragedia de un transexual al que le han cortado el pene...
En base a el retorno del padre, el odio de los hijos, el olvido al menor, el re-enamoramiento de la madre retrata fielmente a la sociedad mexicana, al machismo que aún se vive, al rol de los hijos y al crecimiento de los mismos.
El Viaje De Chihiro
Hayao Miyazaki nos adentra a un mundo fantástico de Dioses y monstruos. El relato inicia cuando la pequeña Chihiro y sus padres se pierden en el camino a su nueva casa. Los padres se vuelven cerdos y Chihiro entra en una nueva dimensión sin darse cuenta. En el relato fantástico igual hay dragones que vuelan como seres que cuanto mas comen más volúmen alcanzan. Sobra decir que es una película fuertemente influenciada por el surrealismo porque aunque aparentemente la historia sea llevada de una forma lineal conserva algunos de los elementos de esta corriente, no tanto en la estructura de la película en sí, sino más bien en la historia misma.
De La Trilogía Qatsi
Koyaanisqatsi: Life Out Of Balance (1983)
Powaqqatsi: Life In Transformation (1988)
Naqoyqatsi: Life As War (2002)
Godfrey Reggio en su trilogía qatsi (vida en Hopi) intenta crear conciencia y reflexión sobre el mundo actual. Para hacer esto hace una serie de comparaciones dentro de las cuales se compara al hombre con la naturaleza, al hombre con la máquina, a la naturaleza con la máquina...
Desde los nombres de las películas busca emitir un mensaje claro, libre de todo convencionalismo para evitar que se pierda. Es interesante observar esta trilogía pues es más de lo que la vista advierte, para entender estas películas se tiene que estar consciente de lo que el autor nos quiere plantear pues aunque las imágenes sean hermosas en base al montaje, a los time lapses y a la cámara lenta construye un inteligente y poderosísimo discurso. La película utiliza los tres elementos antes mencionados principalmente para hacer comparaciones entre una secuencia y otra. Cabe mencionar la música compuesta por Philip Glass (Las Horas, El Ilusionista) como uno de los principales elementos que hacen de ésta trilogía tan hermosa, pues con ritmos aparentemente sencillos que podrían ser llamados minimalistas ambienta, redirige y potencia las imágenes. Debemos de estar conscientes de que es una crítica a la sociedad, pero más que eso, yo las siento como una apelación a nuestro sentido común, como una (coloquialmente llamada) cachetada con guante blanco. Personalmente estas películas me hacen sentir un poco tonto, me hacen repugnar algunas de las actividades humanas que antes veía como normales, me hacen ver con no tan buenos ojos la tecnología y me hacen preguntarme si es que algo de eso vale la pena, me hacen sentir como si hubiera perdido un poco de mi humanidad.
Powaqqatsi: Life In Transformation (1988)
Naqoyqatsi: Life As War (2002)
Godfrey Reggio en su trilogía qatsi (vida en Hopi) intenta crear conciencia y reflexión sobre el mundo actual. Para hacer esto hace una serie de comparaciones dentro de las cuales se compara al hombre con la naturaleza, al hombre con la máquina, a la naturaleza con la máquina...
Desde los nombres de las películas busca emitir un mensaje claro, libre de todo convencionalismo para evitar que se pierda. Es interesante observar esta trilogía pues es más de lo que la vista advierte, para entender estas películas se tiene que estar consciente de lo que el autor nos quiere plantear pues aunque las imágenes sean hermosas en base al montaje, a los time lapses y a la cámara lenta construye un inteligente y poderosísimo discurso. La película utiliza los tres elementos antes mencionados principalmente para hacer comparaciones entre una secuencia y otra. Cabe mencionar la música compuesta por Philip Glass (Las Horas, El Ilusionista) como uno de los principales elementos que hacen de ésta trilogía tan hermosa, pues con ritmos aparentemente sencillos que podrían ser llamados minimalistas ambienta, redirige y potencia las imágenes. Debemos de estar conscientes de que es una crítica a la sociedad, pero más que eso, yo las siento como una apelación a nuestro sentido común, como una (coloquialmente llamada) cachetada con guante blanco. Personalmente estas películas me hacen sentir un poco tonto, me hacen repugnar algunas de las actividades humanas que antes veía como normales, me hacen ver con no tan buenos ojos la tecnología y me hacen preguntarme si es que algo de eso vale la pena, me hacen sentir como si hubiera perdido un poco de mi humanidad.
De Mis 10 Gallos
Las 10 películas favoritas de una persona pueden decirnos muchas cosas. Tal vez más de lo que la persona que las dice quisiera. La verdad es que existen miles de películas buenas ahí afuera, tantas que no alcanza una vida entera para verlas todas. Hacer una selección tan corta puede dejar a muchas de esas grandes obras afuera. Pero es también un ejercicio interesante en el que a veces el raciocinio se pelea con los sentimientos. Esta selección es un intento de balancear esto. De hacer que la razón que me dice por ejemplo, que crear una composición de imágen es dificilísimo no se peleé con los sentimientos que me dicen que tal o cual historia me marcó profundamente y para el resto de mi vida. He aquí pues las 10 películas que me han hecho sentir vivo.
10. Eternal Sunshine Of The Spotless Mind, Michel Gondry 2004
Escrita por Charlie Kaufman. De verdad de las pocas cosas que han valido la pena en los recientes años. Al parecer Michel Gondry aprendió bien las lecciones que deja dirigir videos. Para mí esta película es tal vez de las más hermosas historias de amor jamás contada. No sólo el guión es inteligente y bien logrado, la música es soberbia, las actuaciones son muy puntuales y el poder narrativo del director llega a alturas que eran ansiadas pero que sorprenden. El más grande mérito de la película tal vez sea su forma de contar la historia, palpable y humana, pero sin dramatismos ni exageraciones.
9. Saló o los 120 días de Sodoma, Pier Paolo Pasolini 1975
Me pregunto si la controversia que ha causado ésta película es un reflejo de el estado de conciencia en el que la sociedad se encuentra. Gobiernos que matan a millones cada año la prohíben. Es sin duda fuerte, pero Pasolini nunca lo tomó a burla, con una seriedad nunca antes vista y con una riqueza simbólica nos trae la que bien puede ser su obra cumbre. Sobreponiéndonos a la primera impresión podemos darnos cuenta de que contiene una deliciosa composición, de que cada detalle fué exquisitamente cuidado, perfeccionado. Saló compone una fuerte crítica social que apela a la brutalidad para buscar el arte bello y limpio. Cuando el Marqués de Sade escribió sus obras todos lo tacharon de libertino y pervertido, siglos después se le considera un artista incomprendido. Me pregunto si con Pasolini no habrá de pasar lo mismo. Una obra maestra de un hombre que nunca dejó de contar historias y de hacer arte hasta el día de su muerte.
8. Sólo Con Tu Pareja, Alfonso Cuarón 1991
Esta película es tan solo el primer despliegue de talento de esa pareja ya mítica del llamado nuevo cine mexicano formada por los hermanos Cuarón con una estética muy limpia de buena composición y en la que el color reinante era verde, tan sólo por el gusto de que lo fuera, el director retrata a una sociedad mexicana moderna que aún así no pierde el tradicionalismo y el humor mexicano. El More nos dijo en clase que los grandes directores son los que proponen sus propias reglas del juego y sin duda eso es lo que hace Cuarón. Ya antes mencionado, a mí lo que más me sorprende y me enorgullece como mexicano es la desfachatez con la que se crea la historia pues está basada en las obsesiones y los gustos de los hermanos. Esta fué la punta de lanza del nuevo cine mexicano que sin proponérselo creó una fórmula que fué repetida hasta el aburrimiento por los "cineastas" que le siguieron, basta ver Sexo, Pudor Y Lágrimas para comprobarlo. Los créditos de la película contienen a quienes son hoy por hoy el orgullo del cine mexicano: Guillermo Del Toro, Juan Carlos Rulfo, Prieto, Lubezki y obviamente los hermanos. No tuvo éxito en su momento y tal vez eso fué lo mejor que le pudo haber pasado a su director.
Nótese que la compañía que edita éste DVD es The Criterion Collection.
7. La Montaña Sagrada, Alejandro Jodorowsky 1973
Muchas personas creen que para disfrutar y entender una película de Jodorowsky es necesario estar en un estado alterado de conciencia. No hay nada más erróneo y paradigmático. La verdad es que el cine de Jodorowsky tan caprichoso como es tiene que ser entendido no sólo desde una perspectiva estética sino desde un nivel distinto al que nos exigen otras obras. Siempre he pensado que la montaña sagrada es como La Divina Comedia del cine. Tiene distintos niveles de significados, distintos tributos insertados en la obra. Y es que a veces Jodorowsky puede pecar de egocentrista (al hacer obras que sólo él entiende totalmente) pero nunca pecará de falta de brillantez. La secuencia final en la que revela que: "Una película es solo eso, una película" es desafiante y muy revolucionaria, es honestidad brutal y pura, tan pura como nunca la he visto en ningun otro arte.
6. 2046, Wong Kar-Wai 2004
2046 Es una disección del acto amoroso. El autor nos da una muestra hermosa del romanticismo. Inteligente, hermosa por donde se le vea. Cada cuadro es un deguste, claroscuros, composiciones totalmente equilibradas, congruencia brutal y casi irreal con la música. Bien puede tener el título de Casablanca moderna. Es como poder ver un poema, que, aunque parezca ser el más hermoso está impregnado de esa cotidianeidad y de ese sentimiento pesimista digno de uno de Bukowski.
5. Simpatía Por La Señora Venganza, Chan-Wook Park 2005
El trabajo de un prodigioso director que hace uso de la doble narrativa con flash-backs que si bien es algo desparpajado si es muy refrescante. Una visión más cruda y menos suavizada que en las anteriores dos entregas de la trilogía de la venganza que no por ello deja de ser hermosa. Técnica excepcional (superposición de los planos, esto quiere decir secuencias diferentes puestas en el mismo plano de modo que lo que parece una secuencia, en realidad son dos). Grandes actuaciones. Gran soundtrack. Gran Película.
4. Los Siete Samuráis, Akira Kurosawa 1954
Innovadora técnicamente (Slow motion en acciones y uso de tres cámaras para captar una misma acción en planos largos medianos y cortos) La escena del final engloba la impotencia y el pesimismo de los, quienes, por un momento, fueron héroes. Es un despliegue de la maestría de Kurosawa que narra el ascenso y caída de éstos antihéroes, batallas épicas que han inspirado a otros creadores. Sin ella ¿Qué hubiera sido Sergio Leone?
3. El Séptimo Sello, Ingmar Bergman 1957.
Este es un relato que va más allá de su fuerza narrativa. Es un gran guión, pero es un gran guión narrado por un poeta con cámara en mano. Bergman nos muestra cómo es que se debe de hacer cine, tranquilamente, pacíficamente, a veces (como sucede con otras grandes películas) la fuerza de la historia abruma y engaña los sentidos, no vemos más allá. No vemos la técnica, la paciencia, el desenfado, la burla, la ironía. El séptimo sello es la unión perfecta entre técnica (composición pictórica, travelings hermosos) e historia. Simplemente un clásico. En palabras del gran crítico de cine Tylor: No haberla visto debería constituir falta grave; no apreciarla, un delito.
2. A Clockwork Orange, Stanley Kubrick 1971
El film más célebre de Stanley Kubrick es también el más polémico. Creador de una realidad aparte que no solo retrataría a la juventud sino que la criticaría y prediciría. En una burla satírica critica a todo. Desde el sistema hasta la iglesia pasando por la familia, la sociedad y las relaciones humanas. Creo que la virtud principal de este film aparte de tener una magistralidad técnica es ver a las personas como lo que somos, simples animales que un día "evolucionaron".
1. Los Olvidados, Luis Buñuel 1950
La primera vez que ví esta película todo cambió por completo. La forma en la que vería al mundo cambió, mis aficiones cambiaron, lo que quería hacer en el futuro cambió, mi vida cambió. Tenía 10 años. Retrata la vida de los sectores marginados de la ciudad de México. Pienso que ésta película es la obra maestra de aquel jóven que años antes estremecería al mundo con su perro andaluz. Creo que el director retoma sus propios resultados, los une a lo que ya se había logrado en el cine y entonces toma toda esta mezcla y la voltea. Realista, Surrealista, Grosera, Tierna. Es sin duda la película que eleva al cine a la categoría de arte. Me pregunto que pasaría si Buñuel hubiera nacido en Estados Unidos de América y hubiera filmado la misma película allá, imaginemos que hubiera sido la misma película (aunque no lo hubiera sido) probablemente estaría por encima de aquella otra joya titulada "Citizen Kane" de Welles. Me gustaría permitirme una analogía que si bien tal vez no sea propia, si puede ser ilustrativa. Los Olvidados es a la cinematografía mundial lo que Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band es al mundo de la música. Es un extracto de las enseñanzas de las demás corrientes, de los demás directores, de las vivencias propias, del contexto en el que se vive, de la visión futurista y sobre todo de la genialidad.
10. Eternal Sunshine Of The Spotless Mind, Michel Gondry 2004
Escrita por Charlie Kaufman. De verdad de las pocas cosas que han valido la pena en los recientes años. Al parecer Michel Gondry aprendió bien las lecciones que deja dirigir videos. Para mí esta película es tal vez de las más hermosas historias de amor jamás contada. No sólo el guión es inteligente y bien logrado, la música es soberbia, las actuaciones son muy puntuales y el poder narrativo del director llega a alturas que eran ansiadas pero que sorprenden. El más grande mérito de la película tal vez sea su forma de contar la historia, palpable y humana, pero sin dramatismos ni exageraciones.
9. Saló o los 120 días de Sodoma, Pier Paolo Pasolini 1975
Me pregunto si la controversia que ha causado ésta película es un reflejo de el estado de conciencia en el que la sociedad se encuentra. Gobiernos que matan a millones cada año la prohíben. Es sin duda fuerte, pero Pasolini nunca lo tomó a burla, con una seriedad nunca antes vista y con una riqueza simbólica nos trae la que bien puede ser su obra cumbre. Sobreponiéndonos a la primera impresión podemos darnos cuenta de que contiene una deliciosa composición, de que cada detalle fué exquisitamente cuidado, perfeccionado. Saló compone una fuerte crítica social que apela a la brutalidad para buscar el arte bello y limpio. Cuando el Marqués de Sade escribió sus obras todos lo tacharon de libertino y pervertido, siglos después se le considera un artista incomprendido. Me pregunto si con Pasolini no habrá de pasar lo mismo. Una obra maestra de un hombre que nunca dejó de contar historias y de hacer arte hasta el día de su muerte.
8. Sólo Con Tu Pareja, Alfonso Cuarón 1991
Esta película es tan solo el primer despliegue de talento de esa pareja ya mítica del llamado nuevo cine mexicano formada por los hermanos Cuarón con una estética muy limpia de buena composición y en la que el color reinante era verde, tan sólo por el gusto de que lo fuera, el director retrata a una sociedad mexicana moderna que aún así no pierde el tradicionalismo y el humor mexicano. El More nos dijo en clase que los grandes directores son los que proponen sus propias reglas del juego y sin duda eso es lo que hace Cuarón. Ya antes mencionado, a mí lo que más me sorprende y me enorgullece como mexicano es la desfachatez con la que se crea la historia pues está basada en las obsesiones y los gustos de los hermanos. Esta fué la punta de lanza del nuevo cine mexicano que sin proponérselo creó una fórmula que fué repetida hasta el aburrimiento por los "cineastas" que le siguieron, basta ver Sexo, Pudor Y Lágrimas para comprobarlo. Los créditos de la película contienen a quienes son hoy por hoy el orgullo del cine mexicano: Guillermo Del Toro, Juan Carlos Rulfo, Prieto, Lubezki y obviamente los hermanos. No tuvo éxito en su momento y tal vez eso fué lo mejor que le pudo haber pasado a su director.
Nótese que la compañía que edita éste DVD es The Criterion Collection.
7. La Montaña Sagrada, Alejandro Jodorowsky 1973
Muchas personas creen que para disfrutar y entender una película de Jodorowsky es necesario estar en un estado alterado de conciencia. No hay nada más erróneo y paradigmático. La verdad es que el cine de Jodorowsky tan caprichoso como es tiene que ser entendido no sólo desde una perspectiva estética sino desde un nivel distinto al que nos exigen otras obras. Siempre he pensado que la montaña sagrada es como La Divina Comedia del cine. Tiene distintos niveles de significados, distintos tributos insertados en la obra. Y es que a veces Jodorowsky puede pecar de egocentrista (al hacer obras que sólo él entiende totalmente) pero nunca pecará de falta de brillantez. La secuencia final en la que revela que: "Una película es solo eso, una película" es desafiante y muy revolucionaria, es honestidad brutal y pura, tan pura como nunca la he visto en ningun otro arte.
6. 2046, Wong Kar-Wai 2004
2046 Es una disección del acto amoroso. El autor nos da una muestra hermosa del romanticismo. Inteligente, hermosa por donde se le vea. Cada cuadro es un deguste, claroscuros, composiciones totalmente equilibradas, congruencia brutal y casi irreal con la música. Bien puede tener el título de Casablanca moderna. Es como poder ver un poema, que, aunque parezca ser el más hermoso está impregnado de esa cotidianeidad y de ese sentimiento pesimista digno de uno de Bukowski.
5. Simpatía Por La Señora Venganza, Chan-Wook Park 2005
El trabajo de un prodigioso director que hace uso de la doble narrativa con flash-backs que si bien es algo desparpajado si es muy refrescante. Una visión más cruda y menos suavizada que en las anteriores dos entregas de la trilogía de la venganza que no por ello deja de ser hermosa. Técnica excepcional (superposición de los planos, esto quiere decir secuencias diferentes puestas en el mismo plano de modo que lo que parece una secuencia, en realidad son dos). Grandes actuaciones. Gran soundtrack. Gran Película.
4. Los Siete Samuráis, Akira Kurosawa 1954
Innovadora técnicamente (Slow motion en acciones y uso de tres cámaras para captar una misma acción en planos largos medianos y cortos) La escena del final engloba la impotencia y el pesimismo de los, quienes, por un momento, fueron héroes. Es un despliegue de la maestría de Kurosawa que narra el ascenso y caída de éstos antihéroes, batallas épicas que han inspirado a otros creadores. Sin ella ¿Qué hubiera sido Sergio Leone?
3. El Séptimo Sello, Ingmar Bergman 1957.
Este es un relato que va más allá de su fuerza narrativa. Es un gran guión, pero es un gran guión narrado por un poeta con cámara en mano. Bergman nos muestra cómo es que se debe de hacer cine, tranquilamente, pacíficamente, a veces (como sucede con otras grandes películas) la fuerza de la historia abruma y engaña los sentidos, no vemos más allá. No vemos la técnica, la paciencia, el desenfado, la burla, la ironía. El séptimo sello es la unión perfecta entre técnica (composición pictórica, travelings hermosos) e historia. Simplemente un clásico. En palabras del gran crítico de cine Tylor: No haberla visto debería constituir falta grave; no apreciarla, un delito.
2. A Clockwork Orange, Stanley Kubrick 1971
El film más célebre de Stanley Kubrick es también el más polémico. Creador de una realidad aparte que no solo retrataría a la juventud sino que la criticaría y prediciría. En una burla satírica critica a todo. Desde el sistema hasta la iglesia pasando por la familia, la sociedad y las relaciones humanas. Creo que la virtud principal de este film aparte de tener una magistralidad técnica es ver a las personas como lo que somos, simples animales que un día "evolucionaron".
1. Los Olvidados, Luis Buñuel 1950
La primera vez que ví esta película todo cambió por completo. La forma en la que vería al mundo cambió, mis aficiones cambiaron, lo que quería hacer en el futuro cambió, mi vida cambió. Tenía 10 años. Retrata la vida de los sectores marginados de la ciudad de México. Pienso que ésta película es la obra maestra de aquel jóven que años antes estremecería al mundo con su perro andaluz. Creo que el director retoma sus propios resultados, los une a lo que ya se había logrado en el cine y entonces toma toda esta mezcla y la voltea. Realista, Surrealista, Grosera, Tierna. Es sin duda la película que eleva al cine a la categoría de arte. Me pregunto que pasaría si Buñuel hubiera nacido en Estados Unidos de América y hubiera filmado la misma película allá, imaginemos que hubiera sido la misma película (aunque no lo hubiera sido) probablemente estaría por encima de aquella otra joya titulada "Citizen Kane" de Welles. Me gustaría permitirme una analogía que si bien tal vez no sea propia, si puede ser ilustrativa. Los Olvidados es a la cinematografía mundial lo que Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band es al mundo de la música. Es un extracto de las enseñanzas de las demás corrientes, de los demás directores, de las vivencias propias, del contexto en el que se vive, de la visión futurista y sobre todo de la genialidad.
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